Auteur : labelcypres

Sortie numérique le 31 octobre 2025 – Sortie officielle le 14 novembre 2025

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CONCERT DE SORTIE LE MERCREDI 12 NOVEMBRE 2025 À 20H00 À ARSONIC – INFO ET RÉSERVATIONS

FR | Pour son troisième disque chez le label Cypres, Le quatuor Akhtamar nous présente un programme mêlant les héritages classiques et folkloriques à la création contemporaine, invitant chacun et chacune à explorer des histoires partagées et des émotions universelles.

Depuis sa création, Le quatuor Akhtamar aime entremêler les musiques classiques et folkloriques, et partir à la découverte des cultures. Cette démarche transparaît sur chacun de ses disques, tout en promouvant une compositrice actuelle (Eugénie Alécian pour Légende arménienne, Cypres – CYP1681, et Judith Adler de Oliveira pour Enluminures, Cypres – CYP1684). D’Antonín Dvořák à Jelena Dabić, compositrice serbe née en 1982, la musique se fait poésie éternelle et nous transporte à travers les âges.

Un enregistrement incontournable pour les amateur·ices de musique de chambre. Il célèbre à la fois l’héritage romantique, incarné par le style mûr de Dvořák, et l’ouverture vers une nouvelle génération de compositrices. Avec Anzhamanak de Jelena Dabić, cette page contemporaine propose une expérience sonore singulière, aux timbres inédits, et révèle toute la puissance expressive du quatuor Akhtamar.

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EN | Third album of the Akhtamar Quartet with Cypres, Origins combines classical and folk heritage with contemporary creation, inviting everyone to explore shared stories and universal emotions.

Since its creation, the Akhtamar Quartet has enjoyed intertwining classical and folk music and exploring different cultures. This approach is evident on each of its albums, while promoting a contemporary composer (Eugénie Alécian for Légende arménienne, Cypres – CYP1681, and Judith Adler de Oliveira for Enluminures, Cypres – CYP1684). From Antonín Dvořák to Jelena Dabić, a Serbian composer born in 1982, the music becomes eternal poetry and transports us through the ages.

This is an essential recording for chamber music lovers. It celebrates both the romantic heritage, embodied by Dvořák’s mature style, and the opening up to a new generation of female composers. With Anzhamanak by Jelena Dabić, this contemporary piece offers a unique sound experience with original timbres and reveals the full expressive power of the Akhtamar Quartet.

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Sortie numérique le 29 septembre 2025 – Sortie officielle le 17 octobre 2025

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CONCERT DE SORTIE LORS DU FESTIVAL ARTONOV LE VENDREDI 3 OCTOBRE 2025 À 18h30 & 20h30 – INFO ET RÉSERVATIONS

FR | La musique de Jean-Paul Dessy occupe une place singulière dans le paysage contemporain : elle ne se soumet à aucune école ni courant, mais trace une ligne de crête, tendue entre intériorité et expansion, entre spiritualité et matière sonore. Chaque œuvre est une traversée, un rituel sonore qui convoque l’écoute dans sa plus grande acuité, où le temps semble suspendu, comme rendu à sa densité première.

Ce disque est le fruit de cette fidélité réciproque, de cette exploration au long cours. Il en est aussi le témoignage : celui d’une œuvre unique, vivante, qui continue de nous déplacer, de nous interroger, et de dessiner, dans l’infini du spectre sonore, une empreinte profondément humaine.

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EN | Jean-Paul Dessy’s music occupies a singular place in the contemporary landscape: it does not submit to any school or current, but traces a ridge, stretched between interiority and expansion, between spirituality and sound matter. Each work is a journey, a ritual of sound that calls on the listener to listen with the utmost acuity, where time seems suspended, as if returned to its original density.

This album is the result of this mutual loyalty, of this long-term exploration. It is also the testimony of a unique, living work that continues to move us, to question us, and to draw, in the infinity of the sound spectrum, a profoundly human imprint.

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Sortie numérique le 26 septembre 2025 – Sortie officielle le 3 octobre 2025

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CONFÉRENCE-CONCERT À L’ACADÉMIE ROYALE DE BELGIQUE LE MARDI 30 NOVEMBRE 2025 À 17h – INFO ET RÉSERVATIONS

CONCERT DE SORTIE À BOZAR LE DIMANCHE 2 NOVEMBRE 2025 À 11h – INFO ET RÉSERVATIONS

FR | Pour son premier projet discographique chez le label Cypres, la jeune pianiste belge Cassandre Marfin voit les choses en grand et propose Jusqu’à la nuit, un triptyque consacré à la chromesthésie, l’une des nombreuses formes de synesthésie répertoriées à ce jour. La synesthésie renvoie à l’alliance générale de deux sens au sein du cerveau d’un individu. La chromesthésie, en revanche, fait spécifiquement référence à l’association entre couleurs et sons.

Chaque tome de cette trilogie est dédié à une couleur primaire : le bleu, le jaune et le rouge. Ce premier volume met à l’honneur le bleu qui est sans doute la couleur la plus présente en musique et la plus appréciée dans le monde occidental. Selon Cassandre Marfin, elle renvoie au monde de la nuit et des rêves, à quelque chose d’impalpable et d’indéfini. Elle est source de multiples représentations dans nos imaginaires.

Au travers d’un programme savamment conçu, la pianiste associe cette couleur à des idées, des métaphores, ou encore des systèmes de compositions, qui permettent de se faire une impression personnelle du bleu.

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EN | For her first project at Cypres, young Belgian pianist Cassandre Marfin thinks big and has come up with Jusqu’à la nuit, a triptych devoted to chromesthesia, one of the many forms of synesthesia known to date. Synesthesia refers to the general alliance of two senses within the brain of an individual. Chromesthesia, on the other hand, refers specifically to the association between colours and sounds.

Each volume of this trilogy is dedicated to a primary colour: blue, yellow and red. This first volume focuses on blue, which is undoubtedly the colour most present in music and the one most appreciated in the Western world. According to Cassandre Marfin, it evokes the world of night and dreams, something intangible and indefinite. It is a source of multiple representations in our imaginations.

Through a skilfully conceived programme, the pianist associates this colour with ideas, metaphors and compositional systems that allow us to form our own personal impression of blue.

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Sortie numérique & officielle le 23 mai 2025

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!!! CONCERT DE SORTIE À LA FERME DU BIÉREAU À LOUVAIN-LA-NEUVE LE 12 JUIN 2025 À 20h30 !!! INFO ET RÉSERVATIONS

FR | Une sélection de sons émis par des animaux a été recueillie et échantillonnée comme s’il s’agissait de notes sur une partition orchestrale. Cette « musique animale » a ensuite été diffusée et des instrumentistes humains ont joué leur partition classique en dialogue avec elle. Ainsi, les animaux deviennent des musiciens et un dialogue fusionnel se crée avec les musiciens humains.

The Bat’s song part des ultrasons produits par les chauves-souris et les ralentit à l’extrême pour les ramener dans le spectre audible par les humains. Ces « chants de l’inaudible » sont ensuite combinés pour créer un véritable chœur et se mêlent au chant discret du violoncelle.

Fable Ineffable met en scène des chants de baleines, de dauphins et de loups, accompagnés d’un orchestre à cordes. Cette œuvre explore la connexion spirituelle entre les humains et les animaux.

Rest Forest est une ode à nos frères mammifères et utilise leurs voix pour créer une atmosphère paisible. Elle comprend des sons d’ours, de chacals, d’éléphants, de lynx, entre autres.

The Prey’s Prayer est une volière imaginaire faite de chants échantillonnés et de flûtes qui s’y mêlent incognito. La pièce s’apparente à une méditation de l’oiseau contemplant la condition humaine. Ou bien l’inverse…

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EN | A selection of animal sounds was collected and sampled as if they were notes on an orchestral score. This ‘animal music’ was then reproduced and human instrumentalists played their classical score in dialogue with it. In this way, the animals become musicians and a fusional dialogue is created with the human musicians.

The Bat’s song used the bats’ ultrasounds and slows them down extremely to bring those within the range audible to humans. These ‘songs of the inaudible’ are then combined to create a real choir, blending with the discreet voice of the cello.

Fable Ineffable features the songs of whales, dolphins and wolves, accompanied by a string orchestra. This work explores the spiritual connection between humans and animals.

Rest Forest is an ode to our mammal brothers and uses their voices to create a peaceful atmosphere. It includes sounds of bears, jackals, elephants and lynx, among others.

The Prey’s Prayer is an imaginary aviary made up of sampled songs and incognito flutes. The piece is akin to a bird’s meditation on the human condition. Or the other way round…

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Sortie numérique le 28 février 2025 !

Sortie officielle le 9 mai 2025

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!!! CONCERT DE SORTIE À ARSONIC LE 10 MARS 2025 À 20h !!! INFO ET RÉSERVATIONS

FR | Après Lueurs, son premier album sorti il y a tout juste un an chez Cypres et acclamé par la critique, la jeune compositrice belge Apolline Jesupret revient avec un second CD monographique intitulé Bleu Ardent.

L’idée, cette fois, naît dans le cerveau de Maya Levy, la nuit qui suit la création du concerto pour violon Ardeurs Intimes, théâtre du rêve de la violoniste qui impose à ses yeux, avec la conviction tenace de l’inconscient, un album porté à deux, pour lequel elle se démène, échafaude idée sur proposition et joue sur la moitié des pièces du disque. Ce concerto s’inspire de l’état intérieur que l’on peut ressentir dans une relation d’amour avec autrui. Au fil de l’œuvre, les énergies contrastées qui traversent l’âme trouvent leur écho dans la musique.

Bleue, première œuvre symphonique de la compositrice, est la couleur de notre planète, de l’océan et du rouleau formé par la vague : on y entend la force et la fragilité, la caresse et la gifle, l’énergie de la vie et la menace de la mort – la fin-surprise, en tire-bouchon, en queue de scorpion.

Dans l’air du soir, pour violon seul, évoque, à partir de l’admiration d’Apolline pour Claude Debussy, sept senteurs pointues aux titres à la poésie imagée. Inspirée par les toiles de la peintre et compositrice Julie Thériault, De Glace et De Lave s’inscrivent dans un cycle d’études de sonorités pour le piano. La première explore la texture froide, immuable et cristalline d’un iceberg, tandis que la seconde tend à retracer les différents états de la lave dans une énergie magmatique et dans la force d’un volcan en éruption.

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EN | Following the critical acclaim of her first album, Lueurs, released just a year ago by Cypres, the young Belgian composer Apolline Jesupret is back with a second monographic CD entitled Bleu Ardent.

This time, the idea originated in the mind of Maya Levy, the night following the creation of the violin concerto Ardeurs Intimes, where the violinist dreamed with the tenacious conviction of the unconscious of an album performed by the two of them. She tirelessly worked on it, developing ideas and proposals, and performs half of the pieces on the record. This concerto is inspired by the inner state one can feel in a love relationship with another. Throughout the work, the contrasting energies that cross the soul find their echo in the music.

Bleue, Apolline’s first symphonic work, is the color of our planet, of the ocean, and of the rolling wave: we hear strength and fragility, caress and slap, the energy of life and the threat of death – the surprising end, like a corkscrew, like a scorpion’s tail.

Dans l’air du soir, for solo violin, evokes, from Apolline’s admiration for Claude Debussy, seven sharp scents with poetically evocative titles. Inspired by the paintings of painter and composer Julie Thériault, De Glace and De Lave are part of a cycle of sound studies for the piano. The first explores the cold, immutable, and crystalline texture of an iceberg, while the second aims to trace the different states of lava in a magmatic energy and in the force of a volcanic eruption.

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Sortie Monde le 14 mars 2025 !

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!!! CONCERT DE SORTIE À FLAGEY LE 13 FÉVRIER 2025 À 22h15 !!!

INFO ET RÉSERVATION

FR | Pour Élodie Vignon, le choix d’enregistrer une intégrale chronologique des œuvres pour piano de Debussy naquit de ce que le Prélude à l’après-midi d’un faune fut à l’époque de Debussy : une révélation ! Pour elle, jouer cette musique, c’est comme entrer dans un cocon qui n’appartient qu’à soi.

Ce premier volume (généreux avec 2CD) des trois que comptera l’intégrale, débute naturellement avec les œuvres de jeunesse de Debussy, des pièces directement inspirées de poèmes de Mallarmé et Verlaine et qui épousent la dimension mystérieuse de l’imaginaire sensoriel. Dans les années qui suivent, il libère de plus en plus la musique de la polarisation qu’exerce la note tonale, ce qui lui permet de garder l’espace sonore ouvert, et initie en fin de compte la musique spectrale.

Debussy aime s’inspirer de souvenirs pour composer, afin de garder une distance entre sa propre émotion et celle qu’il souhaite faire naître chez l’auditeur. Alfred Cortot parlait d’évocation de sensations plutôt que de sentiments, refusant ainsi l’esthétique romantique tardive de l’identification émotionnelle entre compositeur et auditeur : une obligation qui semblait d’emblée trop contraignante à Debussy pour pouvoir donner lieu à un dialogue ouvert avec les destinataires de son œuvre.

Donnant l’impression d’être inventée à l’instant où elle est jouée, la musique de Debussy nous invite au rêve, pour mieux comprendre la complexité du monde.

EN | For Élodie Vignon, the decision to record Debussy’s complete piano works in chronological order was born of what the Prélude à l’après-midi d’un faune was in Debussy’s day: a revelation! For her, playing this music is like entering a cocoon that belongs to you alone.

This first volume (generous with 2CDs) of the three that will make up the complete works, naturally begins with Debussy’s early works, pieces directly inspired by poems by Mallarmé and Verlaine and which embrace the mysterious dimension of the sensory imagination. In the years that followed, he increasingly freed music from the polarisation exerted by the tonal note, keeping the sound space open and ultimately initiating spectral music.

Debussy liked to draw inspiration from memories when composing, in order to maintain a distance between his own emotions and those he wished to arouse in the listener. Alfred Cortot spoke of evoking sensations rather than feelings, thus rejecting the late-Romantic aesthetic of emotional identification between composer and listener: an obligation that seemed too constraining to Debussy to be able to give rise to an open dialogue with the listeners of his work.

Giving the impression of being invented as it is played, Debussy’s music invites us to dream, to better understand the complexity of the world.

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Sortie Benelux le 24 janvier 2025 !

Sortie monde le 28 mars 2025

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FR | Le passeport reflète-il l’identité culturelle ou la nationalité ? Belge de naissance, mais ayant grandi aux États-Unis à Seattle, la question de l’appartenance identitaire a été une constante dans la vie du jeune violoncelliste Pierre Fontenelle.

Il dédie son premier enregistrement discographique solo à l’Amérique du 21ème siècle dans laquelle il a grandi en rendant hommage à toute la diversité de cette société. Les œuvres proposées sont le reflet des nombreuses vagues d’immigration qui ont forgé ce multiculturalisme célébré par le milieu musical, une synthèse de la musique classique européenne, du blues, du jazz, du rock mais aussi plus récemment de la musique du monde.

L’album est essentiellement dédié à trois compositrices avec lesquelles Pierre a eu l’occasion de travailler : Caroline Shaw, Reena Esmail et Andrea Casarrubios.

Un second volume à venir sera consacré à son pays natal, la Belgique.

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EN | Does the passport reflect cultural identity or nationality? Belgian by birth, but raised in Seattle in the United States, the question of identity has been a constant in the life of young cellist Pierre Fontenelle.

He dedicates his first solo recording to the 21st century America in which he grew up, paying tribute to the diversity of this society. These works reflect the many waves of immigration that have forged this multiculturalism celebrated by the musical environment, a synthesis of European classical music, blues, jazz, rock and, more recently, world music.

The album is essentially dedicated to three female composers with whom Pierre has had the opportunity to work: Caroline Shaw, Reena Esmail and Andrea Casarrubios.

A forthcoming second volume will be devoted to his native Belgium.

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! Disponible depuis le 6 décembre 2024 !

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FR | Qui connaît Jean Absil ?

Jean Absil, né en 1893 à Bon-Secours et décédé en 1974 à Uccle, a composé un répertoire pour chœur d’enfants qui est au cœur de cet enregistrement.

C’est une joie d’explorer l’univers de Jean Absil, dont l’héritage musical mérite d’être redécouvert. Combien de jeunes belges connaissent son œuvre au-delà de l’académie et de l’athénée qui portent son nom ? Il est essentiel de rappeler que la musique classique a joué un rôle central dans la culture belge au XXe siècle.

L’histoire de Jean Absil est véritablement une source d’inspiration. Issu d’un milieu modeste, il a su surmonter de nombreux défis pour réaliser son rêve musical. La légende raconte que son coup de foudre absolu pour la musique viendrait de la Toccata et Fugue en ré mineur de Jean-Sébastien Bach, entendue par le jeune Absil lors d’un concert donné par Alphonse Oeyen à la Basilique de Bon-Secours. Malgré les obstacles, notamment pendant la Première Guerre mondiale, Jean Absil a brillamment poursuivi sa formation en orgue, harmonie pratique et écrite, et fugue au Conservatoire de Bruxelles. Malgré les obstacles, notamment pendant la Première Guerre mondiale, et il a su se forger un chemin vers l’excellence.

L’ouvrage de Richard de Guide, Jean Absil, vie et œuvre, nous plonge dans le parcours extraordinaire de cet artiste talentueux, qui a non seulement composé de grandes œuvres dans divers genres, mais a également façonné l’enseignement musical en Belgique, notamment en tant que directeur de l’académie d’Etterbeek pendant quarante ans et professeur de fugue hautement apprécié au Conservatoire de Bruxelles et à la chapelle musicale Reine Elisabeth.

À travers cet enregistrement, nous célébrons le dynamisme de la musique belge et l’énergie contagieuse des jeunes interprètes. Ensemble, nous nous engageons à faire vivre cet héritage musical et à inspirer les générations futures.

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EN | Who actually knows Jean Absil?

At the heart of this recording are Jean Absil’s children’s songs, which are only a small part of the vast repertoire that this outstanding and slightly forgotten Belgian composer left behind him. He was born in 1893 in Bon-Secours and died in Uccle (Brussels) in 1974.

What a joy to explore Jean Absil’s universe, whose musical legacy deserves to be rediscovered. How many young Belgians know about his works, beyond the fact that an academy and a school are named after him? It is worth pointing out that classical music played a central role in Belgium’s culture during the twentieth century.

Jean Absil’s life story is truly a source of inspiration. From a modest background, he had to overcome many challenges in order to reach his musical dream. Legend tells that the moment when Jean Absil truly fell in love with music was when he heard Bach’s Toccata and Fugue in D minor played by Alphonse Oeyen at the Basilica of Bon-Secours. Despite all obstacles, mainly during World War I, Jean Absil brilliantly pursued his studies in organ, written and practical Harmony and Fugue at the Brussels Conservatoire.

Richard de Guide’s book called Jean Absil, vie et œuvre, immerses the reader in this talented artist’s extraordinary journey. He not only composed great works in a wide range of genres, but also solidified Belgium’s music education system, mainly as the dedicated director of the Academy of Etterbeek for forty years, and professor of Fugue at the Brussels conservatoire and the Chappelle Musicale Reine Elisabeth. It is said that he was highly appreciated by his students.

Through this recording we celebrate Belgium’s musical vitality and our young interpreters’ contagious energy. Together we commit to bring to life this musical heritage and to inspire future generations.

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! Disponible depuis le 15 novembre 2024 !

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FR | La réalisation de ce disque fait écho à plusieurs désirs. L’organiste et compositeur Benoît Mernier s’est beaucoup investi dès 2015 dans le projet de construction par la Manufacture Thomas de ce nouvel instrument de Saint-Loup à Namur, dont l’une des particularités est de proposer un grand orgue original inspiré de deux styles différents (la facture baroque d’Allemagne centrale et celle d’Allemagne du Nord), en somme l’instrument peut-être rêvé par Bach.

Le grand orgue de Saint-Loup permet donc d’aborder de façon idoine la question de la transmission en traçant des relations entre un maître (Buxtehude) et deux disciples, l’un très connu (Bach), l’autre moins (Bruhns).

En plus de célébrer l’avènement de ce nouvel orgue extraordinaire et d’en faire découvrir toutes les facettes, cet enregistrement marque également le soixantième anniversaire de l’interprète.

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EN | The making of this CD is the result of several wishes. The organist and composer Benoît Mernier has been heavily involved since 2015 in the construction by Manufacture Thomas of this new instrument at Saint-Loup in Namur, one of the special features of which is to offer an original great organ inspired by two different styles (Central German and North German Baroque), in short the instrument that Bach undoubtedly dreamed of.

The great organ of Saint-Loup thus provides an ideal opportunity to address the question of transmission by tracing the relationship between a master (Buxtehude) and two disciples, one very well known (Bach), the other less so (Bruhns).

As well as celebrating the advent of this extraordinary new organ and revealing all its facets, this recording also marks the performer’s sixtieth birthday.

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! Disponible depuis le 1er novembre 2024 !

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FR | Le programme présenté ici est particulièrement intéressant du point de vue de la Grande sonate concertante op.12 d’Henri Vieuxtemps, en quatre mouvements, une œuvre rare écrite durant la jeunesse du compositeur verviétois. 

Tatiana Samouil a remporté le Grand Prix Vieuxtemps à Verviers en 1998, juste après son arrivée en Belgique. Ce prix a marqué le début de sa grande carrière internationale. Ont suivi des récompenses aux Concours Reine Élisabeth, Sibelius, Tchaïkovski… 

Henri Vieuxtemps a toujours gardé une place spéciale dans le cœur de la violoniste qui rêvait de donner à la sonate de Vieuxtemps une nouvelle vie dans les salles de concert et au disque. Sa rencontre avec le brillant pianiste belge Johan Schmidt, lauréat de plusieurs grands concours internationaux (Reine Élisabeth, Van Cliburn, Tchaïkovski…) va exaucer ce souhait !

Tatiana Samouil et Johan Schmidt sont repartis du manuscrit original afin de créer une nouvelle version de la partition plus accessible et lisible au niveau de l’interprétation et du rendu sonore.

La Sonate pour violon et piano en sol mineur op.23 de Louis Vierne, autre perle rare dédiée à Eugène Ysaÿe, est considérée comme sa première partition importante dans le domaine de la musique de chambre et son premier chef-d’œuvre unanimement reconnu. C’est une œuvre magistrale, pleine de force, de passion et de tendresse. Un CD entre romantisme et modernité qui illustre l’évolution stylistique de l’esthétique française avec ses caractéristiques de clarté, d’équilibre et d’élégance.

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EN | The programme presented here is particularly interesting from the point of view of Henri Vieuxtemps’s Grande sonate concertante op.12, in four movements, a rare work written during the youth of the Verviers composer. 

Tatiana Samouil won the Grand Prix Vieuxtemps in Verviers in 1998, just after her arrival in Belgium. This prize marked the start of her major international career. She went on to win prizes at the Queen Elisabeth, Sibelius and Tchaikovsky competitions…

Henri Vieuxtemps always held a special place in the heart of the violinist, who dreamt of giving the Vieuxtemps sonata a new lease of life in concert halls and on recordings. Her meeting with the brilliant Belgian pianist Johan Schmidt, winner of several major international competitions (Queen Elisabeth, Van Cliburn, Tchaikovsky…) was to make her wish come true!

Tatiana Samouil and Johan Schmidt started from the original manuscript to create a new version of the score that is more accessible and readable in terms of interpretation and sound.

Louis Vierne’s Sonata for violin and piano in G minor Op.23, another rare gem dedicated to Eugène Ysaÿe, is considered to be his first major chamber music score and his first unanimously acknowledged masterpiece. It is a masterly work, full of strength, passion and tenderness.

A CD between romanticism and modernity that illustrates the stylistic evolution of the French aesthetic with its characteristics of clarity, balance and elegance.

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! Disponible depuis le 1er novembre 2024 !

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FR | Kiki de Montparnasse a été immortalisée par Man Ray : on y voit les courbes suggestives d’une femme, de dos et les deux ouïes de violon peintes à même la peau, qui font de ce corps féminin le plus irrésistible des instruments de musique.

Fille de rien qui veut tout, femme libre débarrassée des conventions, Kiki figure l’émancipation féminine et inspire ce programme discographique qui illustre le passage de la mélodie à la chanson au cours du 20^e siècle. Le glissement fascinant d’une expressivité ampoulée quoique sublime vers l’univers des icônes (Edith Piaf, Barbara, Dalida, Jane Birkin, Juliette, Hoshi…).

La voix qui se débarrasse de son pathos, du vibrato et mue en geste populaire : naturelle, microphonique, languide, intime, blues, pop, cinématographique…, pendant que le piano devient guitare au sein de ce trio voix mezzo, cordes frottées et pincées.

Les facettes multiples de la féminité, l’audace, la sensualité incarnées par cet improbable trio ne doivent pas nous tromper. C’est une vraie déclaration amoureuse que chante cet enregistrement.

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EN | Kiki de Montparnasse was immortalised by Man Ray, showing the suggestive curves of a woman’s back and the two violin soundholes painted directly onto her skin, making this female body the most irresistible of musical instruments.

A girl from nothing who wants it all, a free woman freed from convention, Kiki represents female emancipation and inspires this recording programme, which illustrates the transition from melody to song in the 20th century. The fascinating shift from a bombastic yet sublime expressiveness to the world of icons (Édith Piaf, Barbara, Dalida, Jane Birkin, Juliette, Hoshi…).

The voice sheds its pathos and vibrato and becomes a popular gesture: natural, microphonic, languid, intimate, bluesy, pop, cinematic…, while the piano becomes guitar in this trio of mezzo voice, strings strummed and plucked.

Don’t let the multiple facets of femininity, audacity and sensuality embodied by this unlikely trio fool you. This recording is a true declaration of love.

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